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毕加索名画赏析
1、画家和模特儿
画家和模特儿 西班牙毕加索布上油画 纵130×横162厘米 马德里国家索菲亚王妃美术馆藏
此画描写了画家在画女模特儿的情景。右侧的裸女坐在地上，画家坐在椅子上聚精会神地作画。背景简略，人 物充满画面。画家完全以自我的立体派面貌来表现对象，他将人体拉长、压扁、扭曲、调位，从而获得了令人惊骇 的艺术效果。
2、《格尔尼卡》
格尔尼卡 西班牙毕加索布上油画 纵349.3×横776.6厘米 马德里国家索菲亚王妃美术馆藏
格尔尼卡是西班牙北部巴斯克族人的城镇。1937年被纳粹“神鹰军团”的轰炸机炸成一片废墟，死亡了数千名 无辜的老百姓。毕加索被法西斯暴行所激怒，毅然画了这幅巨作，以表示强烈的抗议。画面以站立仰首的牛和嘶吼 的马为构图中心。画家把具象的手法与立体主义的手法相结合，并借助几何线的组合，使作品获得严密的内在结构 紧密联系的形式，以激动人心的形象艺术语言，控诉了法西斯战争惨无人道的暴行。
对佛朗哥政府的残酷行为不满的毕加索定居巴黎，但当1937年4月26日西班牙巴斯克省的历史名城 —— 格尔尼卡 在西班牙内战的混乱中，遭到法西斯德军的突击，全城被炸为一片瓦砾，死伤数千人，而且大多是老弱妇孺时，激起了毕加索强烈的愤怒，因为他一想到德军这样强大的军事力量，对一个不设防的小村庄竟然进行这样残暴的轰击，就义愤填膺，於是开始动手绘制这幅壁画，要以画笔为枪来抵抗不人道的暴戾行为。
这幅《格尔尼卡》到底表现了什么呢？里面没有飞机、炸弹、坦克、枪炮，只有牛、马、女人、灯……等物体，然而它的意义已经超越了表象。毕加索把象征性的战争悲剧投入蓝色调中，那浅青、浅灰在黑色调的对照中表现正义的极点，它聚集了残暴、痛苦、绝望、恐怖的全部意义。这木然屹立的公牛、濒死嘶鸣的马、仰天狂叫的求救者、断臂倒地的士兵、抱着死婴号啕大哭的母亲、吓得发呆的见证人……到底表现了什么呢？
毕加索对于他的作品经常保持沉默，希望给予观赏者自由的体验空间，但是对于《格尔尼卡》这幅作品他曾解释道画作中的牛、马和以生气勃勃的线条绘出的手的涵义，以及西班牙神话中那些象征的起源的涵义。他说：“……牛代表残暴，马则代表人民。不错，我在那画里用了象征主义，但并不是在其他画里都这样做……。”“那幅画是存心向人民呼吁，是有意识的宣传……”
因为在西班牙一般人心目中，斗牛场上出现的公牛，往往代表着妖怪、恶魔等黑暗势力之文化因素下，所以毕加索会以牛来代表着无视人民疾苦的残暴政权。同时，在斗牛场上的斗牛士攻击下，公牛终难以逃脱死亡的命运之西班牙斗牛文化下，这匹马乃为象征着面对公牛咆哮不屈服的人民，他们是对抗暴政的主力军。战士虽然已经倒下，但他仍然紧紧地握着那柄剑与象征着生生不息的精神花朵，表达了人民的复仇的决心和决战到底的精神。
因为这幅巨画是毕加索为以进步和平为主题的巴黎万国博览会之西班牙馆所绘制，并且曾到英国、美国等其它国家巡回展览，引发了全世界热爱自由、拥护民主人士的共鸣，同时在画家声明要将该画捐赠给结束佛朗哥政权后的西班牙祖国之种种动作下，使得该画的意义很快就超出了单纯事件的抗议范畴，而成为政治斗争中的一种文化示威，甚至成为文化对暴力的一种对抗。 就其意义来说，这幅作品超过了这桩偶然事件，而正好是通过绘画技巧起了象征启示、重要契机的作用。这是由一个触目惊心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形体所构成的画面；这色彩是指光影和立体感，也正是由於缺乏这一点，它就象征着死亡。这死亡不仅是轰炸受难者的死亡，而且也是文明的死亡。
3、生命
生命 西班牙毕加索布上油画纵197×横129厘米 克里夫兰博物馆藏
这是毕加索蓝色时期的代表作之一。画面右侧一位怀抱婴儿的妇女，象征着生活的重负，母亲一脸沧桑，注视着面前的一对青年男女，她的形神憔 悴，神情专注，目光严厉，好像有责备的意味。左侧男女两人紧紧相依，比喻放纵的爱情，画家把这一对恋人处理为裸体形象，与右面那位着衣母亲形成对比。男青 年左手微微抬起，指向那位母亲，似乎对母子俩承受的巨大痛苦感到怀疑。
男子的形象在写生阶段还像画家自己， 作品完成时却已变成好友卡洛斯·卡萨赫马斯的形象。卡萨赫马斯是一位立志绘画艺术的青年，却在巴黎失恋自杀身亡。毕加索一直怀念这位因失恋而自杀的好友，所以在画面上将 他描绘为爱情的象征，右边那对母子则是母性的象征。
画面上还有两幅作品，女人的姿势都是缩成一团，两幅画，由两人到一人，刻画的都是在生活的重压下疲惫不堪 的人们，从相依为命到孤苦无依的生活境遇。赤裸的身体不但完全暴露了他们苍白无力的肌体，也展示了他们人性最真实、最痛苦的一面。这也是画家 对他所处的那个时代最贴切的描绘。
巴勃罗·鲁伊斯·毕加索(1881～1973)是20 世纪最有影响的西班牙艺术家，也是法国现代派艺术的主要代表。 这位具有无穷创造力的人，不仅有着与众不同的鲜明个性，而且有着不息的探索精神。他一生中画法和风格几经变化：1901～1904 年初的作品多表现饥饿的穷人形象，并主要以蓝色调加强孤独和失望、灾难与不幸的感觉，这一时 期为他创作上的“蓝色时期”；1904～1906 年是“玫瑰色时期”，这一时期的作品题材以描写江湖艺人为主，形象虽 然忧郁，但不孤寂；1907 年前后，他学习黑人雕刻的艺术手法，被称为“黑人时期”；1908 和布拉克创造“立体主义”，发展为“综合立 体主义”，从而使他成为欧洲画坛的瞩目人物。
4、《亚威农的少女们》
这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚威农的少女们》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。毕加索这幅《亚威农的少女们》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然；草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家一一去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。
这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来；它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。
从这幅画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面；左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸；而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。
毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好象表现的是一个浮雕的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。
其实《亚维农的少女》是一个独立的绘画结构。成画后，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品，以某种不同于自然秩序的秩序，组建了一个纯绘画性的结构。
这幅画为立体主义的开山之作，在当时被全盘否定。斯坦因说：他想创造四度空间（以往绘画展示的是三维透视）；马蒂斯说：“这是一种暴行，是企图嘲笑现代运动，发誓要让毕加索沉下去，来捍卫我们的尊严”；波拉克评论：“这好像在表示我们应该换换口味，用麻屑和石蜡来代替我们吃惯的东西”；德兰打起耳语：“我们总有一天会看到毕加索吊死在他这幅油画后面”；一位俄国收藏家说：“对法国艺术来说（毕加索定居法国时期)这是多么大的损失啊”那么你说呢……?
这件作品是他的经验总结，并且标志着他未来的活动朝现代派方向发展的开端。这部作品就是《亚威农的少女们》。这位西班牙画家的着眼点，不像野兽派那样放在色彩上，而是放在形体上，他采用灵活多变且层层分解的、雄浑有力的、宽广而有概括性的平面造型的手法，把形体的结构随心所欲地组合起来。这些平面甚至发展到超越单个的物象，囊括周围的全部空间。这时我们还没有达到完全理性地控制物体，但是，毕加索的画已经导致我们必须走上这一道路。到1909年，毕加索才确立了真正崭新的绘画语言，这语言是从事物的内涵去认识和解析，而不再只是从事物的视觉表象来描绘事物的形象了。
《亚威农的少女们》彻底否定了文艺复兴时期以来视三度空间为主要目的的传统绘画。毕加索断然抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成，这一点在当时来说，是人类对神的一种亵渎行为。同时它废除远近法式的空间表现，舍弃画面的深奥感，而把量感或立体要素全体转化为平面性。这幅画，既受到塞尚的影响，又明显的反映了黑人雕刻艺术的成就。强化变形，其目的也是增加吸引力。毕加索说：“我把鼻子画歪了，归根到底，我是想迫使人们去注意鼻子。”
这幅画对艺术界的冲击相当大，展出时，蒙马特的艺术家们都以为他发疯了。马蒂斯说那是一种“煽动”，也有人说这是一种“自杀”。有人感到困惑不解，有人怒不可遏。布拉克这位受到塞尚影响的画家也甚为惊讶，然而他知道另一种艺术的形式已经诞生了。 这种新创造的造型原理，成为立体派及以后的现代绘画所追求的对象。《亚威农的少女们》不仅是毕加索一生的转折点，也是艺术史上的巨大突破。要是没有这幅画，立体主义也许不会诞生。所以人们称呼它为现代艺术发展的里程碑。
5、蓝色的房间和洗澡的人
蓝色的房间和洗澡的人毕加索作品赏析
1901年毕加索重返巴黎，此时的他已有足够的实力支付路费了。到巴黎后他的情绪趋于平静。随着风格的突破，创作数量巨增。在巴黎，他感觉到创作裸体画的自由，绘制了一系列的作品，以体现出在西班牙时受到压抑的性解放。这一次，他住在克里希大街的寓所里。陋室太小，生活起居和工作都在其中，而他的灵感却没因此消失。
《蓝色的房间和洗澡的人》就在这间屋里诞生的，和其他几幅相同色调的油画一起揭开了毕加索蓝色时期的序幕。当时，蓝色是他的最爱，不仅衣着，甚至连思考事物与观察外界都是蓝色；毕加索更认为蓝色是“颜色中的颜色”。日后艺术史家统称他这一时期绘画作品为“蓝色时期。”。
6、盲人的早餐
盲人的早餐毕加索作品赏析
一位盲人坐在桌前，眼窝深陷，毫无生气，枯瘦如柴的手摸索着桌上的水壶和面包。在巴塞罗那期间，毕加索画了一系列关于盲人的作品。盲者最能体现人类的困境 ——盲目的，不仅是看不到光明，而且根本就没有光明的概念。沉于黑暗的深渊，它的尽头依然是黑暗。爱情是盲目的，幸福是盲目的，只有苦难永远睁大着狞厉的眼睛。
毕加索在1901-1904年(“蓝色时期”)这一时期，他承受着失去好友卡萨赫马斯的巨大痛苦，并亲眼目击了下层小人物生活的艰辛与困窘。因此这一时期作品的主角大部分都是形象消瘦、目光呆滞的劳苦大众。比如《熨烫衣服的女人》，画面描绘的是一个下层的劳动妇女熨烫衣服的情景。画面上的线条多是向下的，无论是她手臂的线条还是呆滞的眼神，都是向下整理流动的。
还有毕加索在这一时期创作的本副作品《盲人的早餐》，画中描绘盲人的线条多是向下或者横向流动的。同样，在音乐中，如果旋律中要表达悲伤、忧愁、无奈的情感时，旋律线通常也是下滑的：如果旋律是表现沉静、柔和、暗淡的情感时，旋律线也多是趋向“横”的方向，比较舒缓。
由此可见。无论是线条还是旋律线在表现情感时，其构成有着突出的相似性。
7、拿着烟斗的男孩
拿着烟斗的男孩毕加索作品赏析
1905年，毕加索创作了《拿着烟斗的男孩》，画面集中展现了一位表情有点忧郁的青春期男孩，他身穿蓝色服装，头戴花冠，手里拿着一支烟斗，画面的背景是两大束色彩艳丽的鲜花。这幅画在2004年伦敦举行的苏富比拍卖会上以1.04亿美元的天价成交，创造了世界名画拍卖史的最高纪录。它被评论家誉为“具有达芬奇《蒙娜丽莎》似的神秘，梵高《嘉舍医师的画像》似的忧郁的唯美之作。”
毕加索的油画《拿烟斗的男孩》，成为目前世界上最昂贵的画之一，在2004年5月5日以1亿416万美元的天价售出，一举刷新绘画作品拍卖的世界记录，这副名画背后有一个凄美无比的爱情传奇……
这幅画是毕加索1905年创作的，当时他只有24岁，刚刚在巴黎著名的蒙玛特高地——青年艺术家聚集的地方安顿下来。画面集中展现了一位表情有点忧郁的青春期男孩，他身穿蓝色服装，头戴花冠，手里拿着一支烟斗，画面的背景是两大束色彩艳丽的鲜花。专家评价说，这一作品色彩清新明快，笔法细腻，人物和景致都刻画得非常生动逼真，是毕加索一生中很有代表性、也很经典的作品之一。
毕加索一生中有无数杰出的作品问世，其中《拿烟斗的男孩》是他走过蓝色忧郁时期进入了粉红时期的代表作。随着毕加索声名鹊起，这幅画在巴黎几经转手，最后被德国的犹太富商格奥尔格先生收藏。
画中年轻的巴黎男孩被毕加索称为“小路易”，他常到毕加索的画室消磨时光，毕加索以他为模特创作了这幅《拿烟斗的男孩》。画中的“小路易”穿着蓝色的工作服，左手拿着烟斗，头戴花环，背景是两大束花，看上去颇有几分中国画的味道。“小路易”头上戴着个花环，专家们认为这是画作将完成时，毕加索临时决定加上去的，不过看起来也挺和谐增色。
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2004年5月5日，一位叫贝蒂·惠特尼的女士委托英国伦敦索斯比拍卖行拍卖《拿烟斗的男孩》，拍卖底价5500万美元。拍卖前，索斯比拍卖行估计这幅油画最高价可能在7000万美元上下，没想到拍卖当天价格一路猛涨，最终以令人震惊的1.04168亿美元被一位神秘的富商买走，创下了单幅画拍卖价格的世界最高纪录。
1990年，凡高的名画《加歇医生的肖像》以8250万美金的记录创造了绘画拍卖画史上的奇迹，14年后，《拿烟斗的男孩》刷新了这个记录，买主立刻成了世界各大媒体关注的热点，然后最终均一无所获。这幅画是由一个匿名的买家拍得，索斯比拍卖行不愿透露买主的任何信息，甚至连暗示一下国籍的要求也予以拒绝。有人分析了拍卖前对于《拿着烟斗的男孩》表示兴趣的名人包括微软创办人比尔·盖茨和艾伦、化妆品公司雅诗兰黛(Estee )的继承人罗纳德·兰黛、金融家沙拉、拉斯维加斯赌场大亨韦恩等，估计买主很可能就在这个几个人中。
2004年11月20日，《拿烟斗的男孩》卖出半年后，一位叫斯帝夫·格奥尔格的德国富商的去世，让人们确知了这幅画的主人，并且意外了解到了这幅画背后竟然有着一个长达半个世纪的凄美爱情故事。斯帝夫 格奥尔格就是那位出价亿元的神秘的买主，他没有疯狂，而是为爱痴狂！
斯帝夫 格奥尔格与贝蒂 惠特尼的父辈是世交，斯帝夫是德国籍的犹太人，贝蒂家是美国籍，小时侯他们两家都住在柏林的斯冈艾弗德大街，青梅竹马两小无猜的长大。
1905年，毕加索《拿烟斗的男孩》创作完成，几经转手，最后被斯帝夫 格奥尔格的父亲收藏。斯帝夫 格奥尔格长得与毕加索画中的“小路易”颇有几分相似，贝蒂很喜欢这幅画，两个孩子慢慢的喜欢上了一个游戏，每当贝蒂有什么要求，就写个纸条帖在《拿烟斗的男孩》背后，斯帝夫看到后总会尽力去满足她。有一次，为了满足贝蒂去维也纳欣赏音乐会的愿望，13岁的斯帝夫竟带着她坐了十几个小时的火车偷偷去了维也纳。结果一下火车就被斯帝夫父亲派来的人带回了柏林，为此斯帝夫还受到了他父亲严厉的惩罚。
1935年，战争爆发了，无数家庭流离失所，也拆散了这对恋人，贝蒂一家平安回了美国，而斯帝夫一家却在战乱中挣扎流亡。战争过后，心急如焚的贝蒂马上从美国返回德国，寻找她的心上人，然而几经周折她最后得到的消息是，斯帝夫家族除了少数几个人逃到了非洲，其他人都在战争中死去。贝蒂伤心欲绝，很快离开了德国。
1949年，贝蒂嫁给了一位美国驻英国的大使，第二年跟着丈夫到了伦敦。在索斯比的拍卖会上，贝蒂意外而激动万分的又见到了《拿烟斗的男孩》！这是盟军从德国缴获的战利品，因为无法知道原有者是谁，于是被拍卖，所得款将交给世界犹太人基金会。
《拿烟斗的男孩》的起拍价是一万美金，贝蒂最终以28000美金拍得了这幅从小就无比熟悉的绘画。当颤抖着手指轻轻抚摸着画面，贝蒂泪眼朦胧，儿时那幸福的记忆再次浮现，依然是那么的清晰。经过多年纷乱的战争，《拿烟斗的男孩》很幸运的完好无损，而斯帝夫也像这幅画一样，在贝蒂心中，永远是分手前那个年青英俊的模样。
斯帝夫和《拿烟斗的男孩》一样幸运，不但在战乱中死里逃生，而且在分别28年后，又与贝蒂再次相逢。历经生死磨难之后还能共同面对《拿烟斗的男孩》，这是斯蒂夫和贝蒂多少年的梦想，也是从没想到有一天能够梦想成真的奢望，惊喜过后，二人均是百感交集。
贝蒂要将本属于斯帝夫的《拿烟斗的男孩》归还给他，而斯帝夫没有接受，他希望还是由她继续保存。
此时的斯帝夫还是独身，他成了贝蒂夫妇的好朋友，50岁那年，斯帝夫终于娶妻生子。
2001年，贝蒂去世了，在此之前她再一次提出把《拿烟斗的男孩》还给斯帝夫，但他还是没要。于是贝蒂留下遗言，如果在她死后，斯帝夫依旧拒绝接受这幅画，那么她的孩子可以将这幅画拍卖，拍卖所得平均分为三份，她的孩子们、世界残疾儿童基金会及以斯帝夫?格奥尔格命名的慈善机构各得其一。
2003年底，贝蒂去世一年半后，根据她的遗嘱，《拿烟斗的男孩》被拍卖，斯帝夫秘密买到了手，这幅画一直陪伴他走到了生命的尽头。据说临终前斯帝夫一直凝视着画中那个男孩，从中他一定看到了自己和贝蒂当年的影子。
8、海边的一家
海边的一家毕加索作品赏析
《海边的一家人》创作于毕加索携家人在滨海城市迪纳尔度假期间，画作构图安稳地将母亲、小孩、父亲的姿态串连在一起，如同文艺复兴时期的绘画一样自成一个完满的结构。父子两人全身赤裸，只有母亲穿戴红色的发饰和白色的长袍。根据这件作品的素描习作，原本毕加索以简单的线条暗示出窗帘和床铺，描绘了一个室内场景;制成油画后，则转而以水平的色块来表现海水和沙滩。此时毕加索以这种没有云朵和礁石，只用水平线暗示海水、陆地与天空的交际线的做法，来展开他的构图研究，这种背景也广泛地出现在同时期的油画和素描作品中。
9、弹曼陀林的少女
弹曼陀林的少女（范妮·特利尔）毕加索作品赏析 1910
这幅画为毕加索分析立体主义的代表作。分析立体主义从解剖分析对象入手，在破碎而剔透画面结构中保留着强烈的光线和某种空间感。
